Что такое импрессионизм в живописи кратко. Основные характерные черты импрессионизма

К наиболее важным направлениям модернизма, повлиявшим на ход и развитие искусства XX в. относятся кубизм, абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм, коструктивизм в архитектуре, додекафония и алеаторика в музыке. Решающее воздействие на развитие литературы оказало творчество Дж. Джойса и М. Пруста. Существенное внимание уделяется далее импрессионизму как первому этапу формирования модернизма. Поскольку кубизм и абстрактное искусство хорошо известны, они особо не рассматриваются.

Даже краткая характеристика основных направлений и школ модернизма позволяет наглядно представить его внутреннюю разнородность и вместе с тем почувствовать его внутреннее, глубинное единство.

Необходимо, разумеется, учитывать, что художественная культура прошлого века не сводится только к модернизму. Наряду с ним существовало также искусство, продолжавшее традиции предшествующей культуры, в частности традиции реализма, и явления промежуточного типа, соединявшие модернизм с традиционными формами искусства. К началу 30-х гг. сложилось также совершенно отличное от модернизма, можно сказать прямо противоположное ему, искусство закрытого общества.

Импрессионизм

Импрессионизм является преддверием модернизма. Это начало движения искусства от изображения внешних объектов к изображению чувств человека, а затем и к изображению его идей.

Импрессионизм (от фр. impression – впечатление) представляет собой направление в изобразительном искусстве, литературе и музыке конца XIX – начала XX вв. Он сложился во французской живописи 60–70-х гг. XIX в. Название течения возникло после первой выставки художников в 1874 г., на которой экспонировалась картина К. Моне "Впечатление. Восход солнца". Ядром первой группы импрессионистов были О. Ренуар, К. Моне, К. Писсаро, Сислей, Дега и др.

Сложившийся иод знаком романтизма, импрессионизм никогда полностью от идеалов последнего не отрывался. На импрессионистов оказали прямое или косвенное воздействие такие представления романтизма, как отказ от правил и законов в искусстве, смелое провозглашение свободы главным и единственным его законом, полное раскрепощение чувства, введение в искусство понятий времени и движения, идея независимости и индивидуализма художника, романтические представления о завершенности произведения искусства, идеи, касающиеся человека, творчества, прекрасного и безобразного и т.д. Импрессионизм был трезвее, чем романтизм, но за этой трезвостью скрывалась все-таки романтическая подоплека.

Импрессионизм является зыбкой и подвижной системой, соединением романтизма и "натурализма", разума и чувства, субъективного и объективного, поэзии и науки, свободы и жесткого закона, безудержного порыва и сдерживающих его рамок.

Одним из источников, питавшим импрессионизм, стала японская цветная гравюра, широко показанная в 1867 г. в Париже. В этом нет ничего странного: еще романтизм снова (после рококо) привлек внимание европейцев к Востоку. Увлечение японским искусством было одновременно и модой, и одной из примет времени, отразившейся на вкусе эпохи. Бодлер, Гонкуры, Мане, Дега, Уистлер были первыми ценителями и коллекционерами японских гравюр, кимоно, вееров, фарфора. Как пишет Я. Тугендхольд, в японских гравюрах нс было линейной геометрической перспективы, которой учила европейская академия, – но зато в них была воздушная перспектива, в них струились солнечные лучи, клубился утренний туман, реяли нежные облака пара и дыма. Японцы первые великим инстинктом своим поняли, что природа – не совокупность тел, а нескончаемая цепь вечно меняющихся явлений. Они первые стали изображать целые серии одного и того же пейзажа при различном освещении и в разные времена года. Таковы были "100 видов горы Фудзи" Хокусаи, "53 вида станции Токайдо" Хиросиге. Академия учила строить композицию так, как будто художник созерцал изображаемую им сцену, сидя ан фас в балконе театра и видя ее в горизонтальных линиях. Японцы же трактовали композицию так, как будто художник был действующим лицом изображаемой сцены. Вот почему у них преобладают наклонные линии над горизонтальными; вот почему у них на первом плане часто вырисовывается цветущая ветка или другая подробность, заслоняющая целое, хотя и гармонически связанная с ним. На примере японцев французские художники поняли всю красоту асимметрии, все очарование неожиданности, всю магию недосказанности. На примере японцев они убедились в прелести легких набросков, моментальных снимков, сделанных несколькими линиями и несколькими пятнами .

Влияние японского искусства на импрессионизм не следует, однако, преувеличивать. Японцы в отличие от импрессионистов никогда не писали прямо с натуры. Впечатления импрессионистов шли от непосредственно-чувственного восприятия, тогда как у японцев – от эмоционального переживания, соединенного с неуклонным следованием традиционным приемам.

Т. Манн называл живопись импрессионистов "зачарованным садом", подчеркивая его преданность идеалам земной жизни. Для эстетических открытий импрессионистам достаточно было скромных уголков природы, берегов Сены, улиц Парижа. Повседневная жизнь, полагали они, прекрасна, и художник нс нуждается в изысканном или в исключительном.

Импрессионисты противопоставили свое искусство салонному и официальному, красоту повседневной действительности – помпезной и вычурной красоте салонной живописи, основанной на академических принципах. Они отказались писать мифологические сюжеты, чуждались "литературщины" (тогда это слово впервые вошло в употребление), ассоциировавшейся для них с фальшью салона, где, по словам Г. де Мопассана, стены заполняли картины душещипательные и романтические, исторические и нескромные картины, которые и повествуют, и декламируют, и учат, и морализируют, а то и развращают . Импрессионисты избегали сентиментальности, пафосности, какой- либо нарочитой возвышенности образа. Утверждая новое видение мира, они демократизировали представление о прекрасном.

Сравнивая импрессионистов с русскими передвижниками, которые тоже боролись с салонно-академическим искусством, можно сказать, что результаты оказались совершенно разными. Русские передвижники отвергли вместе с салонной красивостью и красоту живописи вообще, настаивая прежде всего на нравственном и революционном значении искусства. Импрессионисты же, отвергнув слащавую, приторную красивость салона, не отказались от поиска красоты как таковой, но уже в других формах.

До импрессионистов художники, даже самые "живописные", всегда дополняли на холсте видимое знаемым. Импрессионисты же стремились уловить летучий момент, приближаясь к чистой видимости. Знание уступило место впечатлению. Импрессионизм – это прежде всего изменчивость и движение. Для передачи мгновенных преображений мира импрессионисты сократили время создания картины, максимально приблизив его к реальному времени изображаемого явления природы. С понятием скорости создания произведения были связаны и требования к степени его завершенности.

Импрессионизм изменил представление не только о предмете живописи, но и о самой картине.

Художники-импрессионисты нс ставили своей специальной целью незаконченность, эскизность картины и обнаженность живописной техники. Вместе с тем с точки зрения требований к степени отделки можно говорить о двойственной незавершенности работ импрессионистов. Во-первых, это та внешняя резкость отделки, которая зачастую вызывала недовольство современников. Во-вторых, незавершенность как открытость всей живописной системы, постоянная недоговоренность, протяженность во времени, так сказать многоточие в конце фразы. Из-за своеобразной недосказанности картины импрессионистов трудно охарактеризовать однозначно, но в ней – их волнующая притягательность. Если бы нужно было вывести простую формулу импрессионизма, ею могла бы быть: "изменчивость, двойственность, обратимость, недосказанность".

Изменив представление о живописи, импрессионизм достиг особой степени активизации зрителя (даже путем его раздражения "незавершенностью"). Зритель сделался как бы соучастником создания образа и соавтором художника.

В середине 80-х гг. XIX в. начался кризис импрессионизма. Многие художники, до того примыкавшие к течению, нашли его рамки слишком узкими. Речь зашла о том, что принципы импрессионизма лишают картину интеллектуальной и нравственной составляющих. И хотя в 90-е гг. к импрессионизму пришло широкое признание, оно совпало с началом его распада как целостного течения и зарождения внутри пего иных направлений. Одни из них хотели как-то модернизировать импрессионизм, другие вообще искали новые пути. Поэтическая живопись импрессионистов, их приподнятое, светлое восприятие повседневной жизни, умение придать лирическую окраску изменчивым, мимолетным ее проявлениям стали уступать место иным тенденциям и настроениям.

К течениям, пытавшимся модернизировать импрессионизм, принадлежал, в частности, неоимпрессионизм (или пуантилизм). Ж. Сера выработал необычную технику, а П. Синьяк попытался теоретически обосновать новое течение. Отличия неоимпрессионизма от импрессионизма были существенными. Раздельные мазки, характерные для импрессионистов, уменьшились до точек; пришлось отказаться от фиксации мгновения, поскольку живопись, стремящаяся зафиксировать мгновение, вряд ли способна говорить о вечном; отошли на второй план спонтанность и естественность видения и изображения, интерес к тщательно выстроенной и продуманной, даже статичной композиции, приоритет цвета над светом. Художник-пуантилист, создавая любую форму или тень с помощью огромного количества точечных мазков, не нуждается ни в линиях, пи в контурах. Глубина изображения достигается благодаря тому, что находящиеся впереди предметы являются более крупными и постепенно уменьшаются по мере удаления в перспективу. На расстоянии цветовые точки оптически сливаются, давая удивительно натуральное впечатление света, тени, перехода из одного тона в другой. По мысли Сёра, не художник своей кистью, а глаз зрителя должен смешивать цветные точки в живую оптическую гамму.

Неоимпрессионизм просуществовал недолго. Оказалось, что новая техника таила в себе и негативные моменты. Она нивелировала индивидуальность художника. К тому же неоимпрессионизм провозглашал бесстрастность художника, отвергал характерную для импрессионизма спонтанность. Работы художников-пуантилистов бывает трудно отличить друг от друга. Почувствовав это, К. Писсарро, вначале увлекшийся этой системой, затем уничтожил все свои полотна, выполненные в этой манере.

Период, длившийся примерно с 1886 по 1906 г., принято называть постимпрессионизмом. Этот довольно условный термин обозначает отрезок времени, границы которого определяются, с одной стороны, последней выставкой импрессионистов, с другой – временем появления первых собственно модернистских течений, таких как фовизм и кубизм.

Поль Сезанн оказал весьма важное влияние на формирование искусства модернизма. Будучи современником импрессионистов, он проповедовал диаметрально противоположный подход к натуре: не запечатлевать ее мимолетные состояния, а выявить устойчивую сущность. Импрессионистской зыбкости, импрессионистскому "прекрасному мгновению" Сезанн противопоставил сгущенную материальность, длительность состояния и подчеркнутую конструктивность. Живопись Сезанна является волевой, она строит картину мира, как строят здание. Даны элементы: цвет, объемная форма, пространственная глубина и плоскость картины. Из этих простых первоначал Сезанн возводит свои миры, в которых есть нечто внушительно- грандиозное, несмотря на небольшие размеры его полотен и скупой набор сюжетов (гора Сен-Виктуар в Эксе, пруд с мостиком, дома, утесы, яблоки и кувшин на скатерти).

Сезанн был преимущественно художником для художников. Никто из последующих художников не избежал его влияния, хотя для большинства зрителей-непрофессионалов он труден, а на первый взгляд и скучноват в своем внешнем однообразии: у него нет ни интересных сюжетов, ни лиризма, ни ласкающей глаз палитры.

В устойчивой, густой оранжево-зелено-синей гамме Сезанн лепит цветом свои пейзажи. В них нет "настроения", но редкий пейзаж другого художника выдерживает с ними соседство на одной стене. В пейзажах Сезанн предпочитает высокий горизонт, так что пространство земли совпадает с плоскостью холста; он сдвигает планы, обобщает массы. Даже отражения в воде он делает массивными, архитектоничными. Он ни в чем не признает аморфности и прозревает в природе могучие формообразующие силы. Картина для Сезанна – это пластическая концепция видимого, концепция, а не имитация. Концепция возникает из разрешения противоречий между свойствами натуры и свойствами картины. Натура находится в непрерывном движении и изменении, картина же по своей природе статична, и задача художника в том, чтобы привести движение к устойчивости и равновесию. В натуре – бесконечное разнообразие прихотливых форм, человеческому духу свойственно сводить их к немногим, более простым. Сезанн советует: "...Трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса". Объемы Сезанна действительно тяготеют к упрощению, так как он не хочет иллюзорно разрушать плоскость. Его цель – перевести явления природы на язык живописных категорий, заботясь, чтобы ощущение плоскости сохранялось, синтезируясь с ощущением объема и глубины. Он добивается этого особой организацией пространства, иногда прибегая к деформациям и сдвигам и объединяя в одной композиции несколько точек зрения на изображаемые предметы.

В натюрмортах Сезанна поверхность стола как бы опрокидывается на зрителя, утверждая плоскость картины, а фрукты, лежащие на столе, показаны под другим углом зрения. "Пригвожденные" к плоскости, расположенные словно бы друг над другом, круглящиеся объемы фруктов воспринимаются с удвоенной интенсивностью, а сами фрукты выглядят монументально, первозданно. При этом художник пренебрегает фактурой предметов: его яблоки не из тех, какие хочется съесть, они кажутся сделанными из какого-то твердого, холодного и плотного вещества, так же как и кувшин и даже скатерть.

В отличие от импрессионистов Сезанна больше привлекали материальность и величие формы, нежели изменчивая игра света и тени. Импрессионисты ставили во главу угла требование закончить картину в один прием, чтобы успеть зафиксировать на полотне "мгновенное" ощущение. Сезанн же предпочитал возвращаться на выбранное место несколько раз, создавая более проработанный и "искусственный" образ. Импрессионисты, стремясь "поймать миг", прибегали к мягким, воздушным штрихам, Сезанн пользовался сильными уверенными мазками, делая свои полотна более объемными. В своем отказе от слепого следования законам линейной перспективы Сезанн пошел еще дальше. Стремясь изобразить объемный мир на плоском холсте, он искажал пропорции и перспективу, если того требовал конкретный композиционный принцип.

Сезанну удалось создать особый художественный язык. Идея, что картина – не раскрытое в мир окно (Ренессанс), а двухмерная плоскость со своими законами изобразительного языка, стала центральной в авангардной живописи XX в. Не случайно Пикассо называл себя "внуком Сезанна".

В живописи Сезанна таилась тенденция расхождения между ценностями пластическими (изобразительными) и ценностями собственно человеческими: в плане его поисков оказывались равноправными гора, яблоко, Арлекин, курильщик и т.д. Сезанн не признавал художественных установок, которые расходились с его собственными. Он не питал ни малейшего интереса к японскому искусству. Декоративность, стилизация, открытый цвет, контурность, увлекавшие многих его современников, вызывали у него отрицательное отношение. Так же как "литературный дух" и жанризм, под влиянием которых, считал Сезанн, художник "может уклониться от своего настоящего призвания – конкретного изучения природы". Ему не нравились ни Гоген, ни Ван Гог, он, кажется, совсем не заметил Тулуз-Лотрека.

Творчество Тулуз-Лотрека иронично, но и человечно. Он не "клеймит порок", но и не преподносит его как пикантное блюдо: то и другое исключается чувством приобщенности, причастности художника этому миру – он тоже такой, как они, "ни хуже, ни лучше". Художественному языку Лотрека присущи: яркая характерность образа, экспрессия, предельный лаконизм. Он охотно занимался рисованием афиш. Его декоративный дар, лапидарная экспрессия подняли этот жанр на высоту подлинного искусства. Среди основоположников "прикладной графики" современного города – афиш, плакатов, реклам – Лотреку принадлежит первое место.

Всего за пять лет работы В. Ван Гог создал около 800 картин и бесчисленное количество рисунков; большинство из них были созданы в последние два-три года его жизни. Подобного история живописи не знала. Ван Гог черпал свое вдохновение нс только в идеях импрессионизма, но и в японской гравюре, что помогло ему уйти от натурализма к более экспрессивной и четкой манере. Постепенно цвет в его картинах становится все более смелым, а манера – более свободной, энергичной, помогающей художнику передать на холсте обуревающие его чувства. В отличие от символистов и П. Гогена, в творчестве которого сказывалось влияние символизма, Ван Гог никогда нс писал вымышленный мир: ему просто неинтересно было писать "неправдоподобные существа", его картины всегда имели прочную реалистическую основу. Работал Ван Гог всегда с натуры, те немногие полотна, которые он писал, следуя советам Гогена, по воспоминанию или по воображению, получались слабее. "Выражать себя" для Ван Гога значило выражать чувства, думы, ассоциации, рожденные тем, что он видел и наблюдал: людьми, природой, вещами.

Никогда не покидавшие Ван Гога напряженные искания высшего смысла жизни определяют то редкостное сочетание драматизма и праздничности, которым отмечено его зрелое творчество. Оно проникнуто страдальческим восторгом перед красотой мира, исполнено эмоциональных контрастов. Это находит выражение в живописном языке, построенном на контрастных цветовых созвучиях и как никогда экспрессивном. Живописный почерк Ван Гога позволяет войти в прямой контакт с художником, почувствовать его страсть и высокий накал души. Этому способствует также ярко выраженный в его картинах высокий темп работы – удары кистью, как хлыстом, красочные сгустки, диссонирующие зигзаги, звучащие как вырвавшееся восклицание. Картины свидетельствуют также о резких переменах в настроении художника; будучи человеком религиозным, он заметил однажды, что мир, созданный богом, – это всего лишь его неудачный этюд.

• См:. Дмитриева Н. А. Краткая история искусств. М., 1993. Вып. III. С. 55-56.
• См.: Там же. С. 83.

Импрессионизм является одним из самых известных направлений французской живописи, если не самым известным. А зародилось оно еще в конце 60-х-начале 70-х годов XIX века и во многом повлияло на дальнейшее развитие искусства того времени.

Импрессионизм в живописи

Само название «импрессионизм » было придумано французским художественным критиком по имени Луи Леруа после посещения первой выставки импрессионистов в 1874 году, где он раскритиковал картину Клода Моне «Впечатление: Восходящее солнце» («впечатление» в переводе на французский звучит как «impression»).

Клод Моне, Камиль Писсарро, Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар, Фредерик Базиль - основные представители импрессионизма.

Импрессионизм в живописи характеризуется быстрыми, спонтанными и свободными мазками. Ведущим принципом было реалистичное изображение световоздушной среды.

Импрессионисты стремились запечатлеть на холсте ускользающие мгновения. Если в это самое мгновение объект предстает в неестественном цвете, из-за определенного угла падения света или его отражения, то художник так его и изображает: например, если солнце красит поверхность пруда в розовый цвет, то он и будет написан в розовом.

Особенности импрессионизма

Говоря про основные черты импрессионизма, необходимо назвать следующие:

• немедленное и оптически точное изображение быстротечного момента;
• выполнение всей работы на открытом воздухе - больше никаких подготовительных эскизов и завершения работы в студии;

• использование чистого цвета на холсте, без предварительного смешивания на палитре;
• использование брызг яркой краски, мазков разной величины и степени размашистости, которые визуально складываются в одну картину, только если смотреть на нее с расстояния.

Русский импрессионизм

Эталонным портретом в этом стиле считают один из шедевров русской живописи - «Девочку с персиками» авторства Александра Серова, для которого импрессионизм, тем не менее, стал всего лишь периодом увлечения. К русскому импрессионизму также относят написанные в конце XIX-начале XX веков работы Константина Коровина, Абрама Архипова, Филиппа Малявина, Игоря Грабаря и других художников.

Эта принадлежность скорее условная, поскольку русский и классический французский импрессионизм имеют свою специфику. Русский импрессионизм был ближе к материальности, предметности произведений, тяготел к художественному смыслу, в то время как французский импрессионизм, как было сказано выше, просто стремился изобразить моменты жизни, без лишней философии.

По сути, русский импрессионизм перенял от французов только внешнюю сторону стиля, приемы его живописи, но так и не усвоил само живописное мышление, вложенное в импрессионизм.

Современный импрессионизм продолжает традиции классического французского импрессионизма. В современной живописи XXI века немало художников работает в этом направлении, например, Лоран Парселье, Карен Тарлтон, Диана Леонард и другие.

Шедевры в стиле импрессионизм

«Терраса в Сент-Адресс» (1867), Клод Моне

Эту картину можно назвать первым шедевром Моне. Она до сих пор является самой популярной картиной раннего импрессионизма. Здесь тоже присутствует любимая тема художника — цветы и море. На полотне изображены несколько человек, отдыхающих на террасе в солнечный день. На стульях, спиной к зрителям, изображены родственники самого Моне.

Вся картина залита ярким солнечным светом. Четкие границы между землей, небом и морем разделяются, упорядочивая композицию по вертикали с помощью двух флагштоков, однако при этом четкого центра композиция не имеет. Цвета флагов сочетаются с окружающей природой, подчеркивая разнообразие и насыщенность красок.

«Бал в Мулен де ла Галетт» (1876), Пьер Огюст Ренуар

Эта картина изображает типичный воскресный день в Париже XIX века, в Мулен де ла Галетт - кафе с открытой танцевальной площадкой, чье название соответствует названию мельницы, которая находится поблизости и является символом Монмартра. Рядом с этим кафе был расположен дом Ренуара; он часто посещал дневные воскресные танцы и любил наблюдать за счастливыми парами.

Ренуар демонстрирует настоящий талант и объединяет искусство группового портрета, натюрморта и пейзажной живописи в одной картине. Использование света в этой композиции и плавность мазков наилучшим образом представляют широкому зрителю стиль импрессионизм . Эта картина стала одной из самых дорогих картин, когда-либо проданных на аукционах.

«Бульвар Монмартр ночью» (1897), Камиль Писсарро

Несмотря на то, что Писсарро славится своими картинами с изображением сельской жизни, он также написал большое количество прекрасных городских сюжетов XIX века в Париже. Он любил писать город из-за игры света днем и вечером, из-за дорог, освещенных как солнечным светом, так и уличными фонарями.

В 1897 году он арендовал комнату на бульваре Монмартр и изобразил его в разное время суток, причем эта работа стала единственной работой из серии, запечатленной уже после того, как наступила ночь. Полотно наполнено густым синим цветом и яркими желтыми пятнами городских огоньков. Во всех картинах «бульварного» цикла основным стержнем композиции является уходящая вдаль дорога.

Сейчас картина находится в Национальной галерее Лондона, но при жизни Писсарро она никогда нигде не выставлялась.

Посмотреть видеофильм об истории и условиях творчества основных представителей импрессионизма можно здесь:

Импрессионизм впервые зародился во Франции ближе к концу XIX столетия. До возникновения этого направления натюрморты, портреты и даже пейзажи преимущественно писались художниками в студиях. Картины импрессионистов же часто создавались на открытом воздухе, а их сюжетами становились реальные мимолетные сцены из современной жизни. И хотя импрессионизм изначально подвергался критике, вскоре он собрал множество последователей и положил начало аналогичным движениям в музыке и литературе.

Знаменитые французские художники-импрессионисты

Неудивительно, что одним из самых известных направлений изобразительного искусства стал именно импрессионизм в живописи: художники , работавшие в этом стиле, оставили после себя удивительные по своей красоте полотна, легкие, как глоток свежего воздуха, полные света и красок. Многие из этих прекрасных произведений написаны следующими мастерами импрессионизма, которых знает каждый уважающий себя ценитель мировой живописи.

Эдуард Мане

Несмотря на то, что целиком творчество Эдуарда Мане нельзя поместить лишь в рамки импрессионизма, живописец во многом повлиял на возникновение данного течения, а другие французские художники, работающие в этом стиле, считали его основоположником импрессионизма и своим идейным вдохновителем. Хорошими друзьями мастера были и другие известные французские импрессионисты: Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар, а также художник-импрессионист со схожей фамилией, которая ставит в тупик новичков в мире живописи, - Клод Моне.

После знакомства с этими художниками и произошли импрессионистические перемены в творчестве Мане: он стал предпочитать работу на открытом воздухе, в картинах стали преобладать светлые, яркие тона, обилие света и дробная композиция. Хотя от темных цветов он по-прежнему не отказывается, да и пейзажам предпочитает живопись в бытовом жанре - это можно проследить в работах живописца «Бар в «Фоли-Бержер», «Музыка в Тюильри», «Завтрак на траве», «У папаши Латюиля», «Аржантей» и других.

Клод Моне

Имя этого французского художника, пожалуй, хотя бы раз в жизни слышал каждый. Клод Моне был одним из основоположников импрессионизма, и именно его картина «Впечатление: Восходящее солнце» дала название этому движению.

В 60-х годах XIX века художник-импрессионист одним из первых увлекся написанием картин на свежем воздухе, а многим позже создал новый экспериментаторский подход к работе. Он заключался в наблюдении и изображении одного и того же предмета в разное время суток: так была создана целая серия полотен с видом на фасад Руанского собора, напротив которого художник даже поселился, чтобы не упускать здание из виду.

Изучая импрессионизм в живописи, не пропустите такие работы Моне, как «Поле маков у Аржантея», «Прогулка к утесу в Пурвиле», «Женщины в саду», «Дама с зонтиком», «Бульвар Капуцинок», а также серию работ «Водяные лилии».

Пьер Огюст Ренуар

Этот художник-импрессионист имел уникальное видение красоты, что сделало Ренуара одним из самых известных представителей данного направления. Прежде всего, он знаменит своими картинами шумной парижской жизни и досуга конца XIX столетия. Ренуар прекрасно умел работать с цветом и светотенью, в особенности отмечается его исключительное умение писать обнаженную натуру, с неповторимой передачей тонов и текстуры.

Уже начиная с 80-х годов, художник-импрессионист стал больше склоняться к классической манере письма и увлекся живописью Ренессанса, что заставило его включить в свои зрелые работы более четкие линии и ясную композицию. Именно в этот период Пьер Огюст Ренуар создает одни из самых нетленных произведений своей эпохи.

Уделите особое внимание таким полотнам Ренуара, как «Завтрак гребцов», «Бал в Мулен де ла Галетт», «Танец в деревне», «Зонтики», «Танец в Буживале», «Девушки за фортепьяно».

Эдгар Дега

В истории искусства Эдгар Дега остался как художник-импрессионист, хотя сам он отрицал этот ярлык, предпочитая называть себя скорее независимым художником. Действительно, он питал определенный интерес к реализму, что отличало художника от других импрессионистов, но одновременно с этим использовал в своем творчестве множество импрессионистских техник, в частности, точно так же «играл» со светом и увлекался изображением сцен из городской жизни.

Дега всегда привлекала фигура человека, он часто изображал певиц, танцоров, прачек, стремясь изобразить человеческое тело в различных положениях, например, на полотнах «Танцевальный класс», «Репетиция», «Концерт в кафе «Амбассадор», «Оркестр оперы», «Танцовщицы в синем».

Камиль Писсарро

Писсарро был единственным художником, который принимал участие во всех восьми выставках импрессионистов с 1874 по 1886 гг. В то время как картины импрессионистов известны своими сюжетами городского и загородного отдыха, картины Писсарро показывают зрителю ежедневную жизнь французских крестьян, изображая деревенскую природу в различных условиях и при разном освещении.

Знакомясь с картинами, которые писал данный художник-импрессионист, в первую очередь стоит увидеть работы «Бульвар Монмартр ночью», «Жатва в Эраньи», «Жницы отдыхают», «Сад в Понтуазе» и «Въезд в деревню Вуазен».

Импрессионизм в живописи

Истоки

Возникновение названия

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара . Там было представлено 30 художников, всего - 165 работ. Холст Моне - «Впечатление. Восходящее солнце » (Impression, soleil levant ), ныне в Музее Мармоттен, Париж , написанный в 1872 году дал рождение термину «импрессионизм»: малоизвестный журналист Луи Леруа в своей статье в журнале «Le Charivari » для выражения своего пренебрежения обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился, потерял свой первоначальный отрицательный смысл и вошёл в активное употребление.

Название «импрессионизм» достаточно бессодержательное в отличие от названия «Барбизонская школа », где хотя бы есть указание на географическое расположение художественной группы. Ещё меньше ясности с некоторыми художниками, которые формально не входили в круг первых импрессионистов, хотя их технические приемы и средства полностью «импрессионистические» Вистлер ,Эдуард Мане , Эжен Буден и т. д.) К тому же технические средства импрессионистов были известны задолго до XIX века и их (частично, ограниченно) использовали ещё Тициан и Веласкес , не порывая с господствующими идеями своей эпохи.

Была еще одна статья (автор Эмиль Кардон) и еще одно название - «Выставка мятежников», абсолютно неодобрительное и осуждающее. Именно оно точно воспроизводило неодобрительное отношение буржуазной публики и критику к художникам (импрессионистам), которое господствовало годами. Импрессионистов сразу обвинили в аморальности, мятежных настроениях, несостоятельности быть добропорядочными. В настоящий момент это вызывает удивление, потому что непонятно, что аморального в пейзажах Камиля Писсарро , Альфреда Сислея , бытовых сценах Эдгара Дега , натюрмортах Моне и Ренуара .

Прошли десятилетия. И новая генерация художников придет к настоящему развалу форм и обнищанию содержания. Тогда и критика, и публика, увидела в осужденных импрессионистах - реалистов, а немного позже и классиков французского искусства.

Специфика философии импрессионизма

Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Как и искусство ренессанса (Возрождение), импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Вместе с тем ренессансное виденье взрывается доказанной субъективностью и относительностью человеческого восприятия, которое делает цвет и форму автономными составляющими образа. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено.

Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Преимущества импрессионизма

К преимуществам импрессионизма как течения относится демократизм. По инерции, искусство и в XIX веке считалось монополией аристократов, высших слоев населения. Именно они выступали главными заказчиками на росписи, монументы, именно они - главные покупатели картин и скульптур. Сюжеты с тяжелым трудом крестьян, трагические страницы современности, позорные стороны войн, бедности, общественных неурядиц осуждались, не одобрялись, не покупались. Критика кощунственной морали общества в картинах Теодора Жерико , Франсуа Милле находила отзыв лишь у сторонников художников и немногих знатоков.

Импрессионисты в этом вопросе занимали достаточно компромиссные, промежуточные позиции. Были отброшены библейские, литературные, мифологические, исторические сюжеты, присущие официальному академизму . С другой стороны они пылко желали признания, уважения, даже наград. Показательной является деятельность Эдуара Мане , который годами добивался признания и наград от официального Салона и его администрации.

Вместо этого появилось виденье будничности и современности. Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха, представляли вид определенного места при определенном освещении, мотивом их работ была также природа. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь - это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении (ряд картин Ренуара , Мане и Клода Моне). Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не дорабатывая свои работы в мастерской.

Техника

Новое течение отличалось от академической живописи как в техническом, так и в идейном плане. В первую очередь импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками, которые они накладывали в соответствии с теориями цвета Шеврёля , Гельмгольца и Руда. Солнечный луч расщепляется на составляющие: фиолетовый, синий, голубой, зелёный, жёлтый, оранжевый, красный, но поскольку синий - разновидность голубого, то их число сводится к шести. Две положенные рядом краски усиливают друг друга и, наоборот, при смешении они утрачивают интенсивность. К тому же все цвета разделены на первичные, или основные и сдвоенные, или производные, при этом каждая сдвоенная краска является дополнительной по отношению к первой:

• Голубой - Оранжевый
• Красный - Зелёный
• Жёлтый - Фиолетовый

Таким образом стало возможным не смешивать краски на палитре и получать нужный цвет путём правильного наложения их на холст. Это же впоследствии стало поводом отказа от чёрного.

Затем импрессионисты перестают концентрировать всю работу над полотнами в мастерских, теперь они предпочитают пленэр , где удобней схватить мимолётное впечатление от увиденного, что стало возможным благодаря изобретению стальных туб для краски, которые в отличие от кожаных мешочков можно было закрыть, чтобы краска не высыхала.

Также художники использовали укрывистые краски, которые плохо пропускают свет и непригодны для смешивания поскольку быстро сереют, это позволило им создавать картины не с «внутренним », а «внешним » светом, отражающимся от поверхности.

Технические отличия способствовали достижению иных целей, прежде всего импрессионисты пытались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток, наивысшим воплощением стали циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор » и «Парламент Лондона».

В целом, в стиле импрессионизма работало множество мастеров, но основой движения были Эдуар Мане , Клод Моне , Огюст Ренуар , Эдгар Дега , Альфред Сислей , Камиль Писсарро , Фредерик Базиль и Берта Моризо . Однако Мане всегда называл себя «независимым художником» и никогда не участвовал в выставках, а Дега хоть и участвовал, но никогда не писал свои работы на пленэре.

Хронология по художникам

Импрессионисты

Выставки

• Первая выставка (15 апреля - 15 мая )

• Вторая выставка (апрель )

Адрес : ул. Лепелетье, 11 (Галерея Дюран-Рюэля). Участники : Базиль (посмертно, художник погиб в 1870), Белиар, Бюро, Дебютен, Дега, Кайботт , Кальс, Левер, Легро, Лепик, Милле , Моне, Моризо, Л. Оттен, Писсарро, Ренуар, Руар, Сислей, Тилло, Франсуа

• Третья выставка (апрель )

Адрес : ул. Лепелетье, 6. Участники : Гийомен, Дега, Кайботт, Кальс, Кордей, Левер, Лями, Моне, Моризо, Моро , Пьетт, Писсарро, Ренуар, Руар, Сезанн, Сислей, Тилло, Франсуа.

• Четвёртая выставка (10 апреля - 11 мая )

Адрес : авеню Опера, 28. Участники : Бракемон, госпожа Бракемон , Гоген , Дега, Дзандоменеги , Кайботт, Кальс, Кассат, Лебур, Моне, Пьетт, Писсарро, Руар, Сомм, Тилло, Форен .

• Пятая выставка (1 апреля - 30 апреля )

Адрес : ул. Пирамид, 10. Участники : Бракемон, госпожа Бракемон, Видаль, Виньон, Гийомен, Гоген, Дега, Дзандоменеги, Кайботт, Кассат, Лебур, Левер, Моризо, Писсарро, Рафаэлли , Руар, Тилло, Форен.

• Шестая выставка (2 апреля - 1 мая )

Адрес : бульвар Капуцинок, 35 (ателье фотографа Надара). Участники : Видаль, Виньон, Гийомен, Гоген, Дега, Дзандоменеги, Кассат, Моризо, Писсарро, Рафаэлли, Руар, Тилло, Форен.

• Седьмая выставка (март )

Адрес : Фобург-Сент-Оноре, 251 (У Дюран-Рюэля). Участники : Виньон, Гийомен, Гоген, Кайботт, Моне, Моризо, Писсарро, Ренуар, Сислей.

• Восьмая выставка (15 мая - 15 июня )

Адрес : ул. Лаффитт, 1. Участники : госпожа Бракмон, Виньон, Гийомен, Гоген, Дега, Дзандоменеги, Кэссет, Моризо, Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро , Редон , Руар, Сёра , Синьяк , Тилло, Форен, Шуффенекер.

Импрессионизм в литературе

В литературе импрессионизм не сложился как отдельное направление, но его черты нашли отражение в натурализме и символизме .

Прежде всего характеризуется выражением частного впечатления автора, отказа от объективной картины реальности, изображением каждого мгновения, что должно было повлечь за собой отсутствие сюжета, истории и заменой мысли восприятием, а рассудок - инстинктом. Основные черты импрессионистского стиля сформулировали братья Гонкур в своём произведении «Дневник», где знаменитая фраза «Видеть, чувствовать, выражать - в этом все искусство » стала центральным положением для многих писателей.

В натурализме главным принципом была правдивость, верность натуре, но она подвержена впечатлению, а потому облик реальности зависит от каждой отдельной личности и её темперамента. Наиболее полно это выражено в романах Эмиля Золя , его развернутых описаниях запахов, звуков и зрительных восприятий.

Символизм, наоборот, требовал отказа от материального мира и возвращения к идеальному, однако переход возможен только через мимолётные впечатления, раскрывая в видимых вещах тайную сущность. Яркий пример поэтического импрессионизма - сборник Поля Верлена «Романсы без слов» (). В России влияние импрессионизма испытали Константин Бальмонт и Иннокентий Анненский .

Также эти настроения коснулись драматургии (импрессионистская драма), в пьесы вторгается пассивное восприятие мира, анализ настроений, душевных состояний, цельная композиция распадается на ряд сцен, наполненных лиризмом, а в диалогах концентрируются мимолётные разрозненные впечатления. Драма становится одноактной, рассчитанной на интимные театры. Эти признаки нашли своё полное отражение в творчестве Артура Шницлера .

Импрессионизм в музыке

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модерна . Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати , опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 - «Три сарабанды », несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты двумя его приятелями, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем .

Литература

• Жан-Поль Креспель. Повседневная жизнь импрессионистов 1863-1883 , Москва «Молодая гвардия»,
• Морис Серюлль и Арлетт Серюлль. Энциклопедия импрессионизма , Москва «Республика»,
• “Импрессионизм“,Бродская.Н.В СПб, Аврора, 2002 (254 стр, 269 ил.,7 авт. листов текста)

Ссылки

• Импрессионизм, Н.В.Бродская ,изд.Аврора 2010

Импрессионизм
Представители
Американский импрессионизм
Коллекционеры
Музеи
Другое

Wikimedia Foundation . 2010 .

Импрессионизм - это художественное течение, возникшее в 70-х годах. XIX века во французской живописи, а затем проявившееся в музыке, литературе, театре.

Импрессионизм в живописи начал складываться задолго до известной выставки 1874 года. Родоначальником импрессионистов традиционно считается Эдуард Мане. Он был очень вдохновлен классическими работами Тициана, Рембрандта, Рубенса, Веласкеса. Свое видение изображений Мане выражал на своих полотнах, добавляя «вибрирующие» мазки, создававшие эффект незаконченности. В 1863 году Мане создал «Олимпию», которая вызвала большой скандал в культурном обществе.

На первый взгляд, картина выполнена в русле традиционных канонах, но при этом она уже несла и новаторские веяния. В различных парижских изданиях по поводу «Олимпии» было написано около 87 отзывов. На нее обрушилась масса негативной критики - художника обвиняли в вульгарности. И лишь несколько статей можно было назвать благожелательными.

Мане в своей работе использовал технику наложения однослойной краски, что создавало эффект пятен. Впоследствии этот прием наложения красок был перенят художниками-импрессионистами в качестве основы для изображений на живописных полотнах.

Отличительная черта импрессионизма заключалась в тончайшей фиксации мимолётных впечатлений, в особой манере воспроизведения световой среды с помощью сложной мозаики чистых красок, беглых декоративных штрихов.

Любопытно, что в начале своих поисков художники использовали цианометр - инструмент для определения синевы неба. Черный цвет исключался из палитры, его заменяли другими цветовыми оттенками, что позволяло не испортить солнечное настроение картин.

Импрессионисты ориентировались на новейшие научные открытия своего времени. Теория цвета Шевреля и Гельмгольца сводится к следующему: солнечный луч расщепляется на составляющие цвета, и, соответственно, две положенные на холсте краски усиливают живописный эффект, а при смешивании краски теряют интенсивность.

Эстетика импрессионизма складывалась, отчасти, как попытка решительно освободиться от условности классицизма в искусстве, а также от настойчивой символичности и глубокомыслия позднеромантической живописи, предлагавшей всем видеть зашифрованные замыслы, нуждающиеся в тщательном истолковании. Импрессионизм утверждал не просто красоту повседневной действительности, а фиксацию красочной атмосферы, не детализируя и не растолковывая, изображая мир как вечно меняющееся оптическое явление.

Художники-импрессионисты разработали законченную систему пленэра. Предшественниками этой стилистической особенности были художники-пейзажисты, выходцы из барбизонской школы, основными представителями которой были Камиль Коро и Джон Констебл.

Работа на открытом пространстве давала больше возможности запечатлевать малейшие цветовые изменения в разное время суток.

Клодом Моне были созданы несколько серий картин на один и тот же сюжет, например, «Руанский собор» (серия из 50 картин), «Стога» (серия из 15 картин), «Пруд с водяными лилиями» и др. Главным показателем этих серий было изменение света и цветовой гаммы в изображении одного и того же объекта, написанного в разное время суток.

Еще одним достижением импрессионизма считается разработка оригинальной живописной системы, где сложные тона разлагаются на чистые цвета, передаваемые отдельными мазками. Художники не смешивали цвета на палитре, а предпочитали накладывать мазки непосредственно на полотно. Такой прием придавал картинам особую трепетность, изменчивость и рельефность. Работы художников наполнились цветом и светом.

Выставка 15 апреля 1874 года в Париже была итогом периода становления и представления широкой публике нового течения. Экспозиция была развёрнута в студии фотографа Феликса Надара на бульваре Капуцинок.

Название «Импрессионизм» возникло после выставки, на которой была экспонировалась картина Моне «Впечатление. Восход солнца». Критик Л. Леруа в своем обзоре в издании «Сharivari» дал шутливую характеристику выставке 1874 года, приведя в пример работу Моне. Другой критик, Морис Дени, упрекал импрессионистов в отсутствии индивидуальности, чувства, поэзии.

На первой выставке свои работы демонстрировали порядка 30 художников. Это было самое большое количество, в сравнении с последующими выставками вплоть до 1886 года.

Нельзя не сказать о положительных отзывах со стороны русского общества. Русские художники и критики-демократы, всегда живо интересовавшиеся художественной жизнью Франции - И. В. Крамской, И. Е. Репин и В. В. Стасов - высоко оценивали достижения импрессионистов с самой первой выставки.

Новый этап истории искусства, начавшийся выставкой 1874 года, не был внезапным взрывом революционных тенденций - он явился кульминацией медленного и последовательного развития.

При всем том, что все великие мастера прошлого сделали свой вклад в развитие принципов импрессионизма, непосредственные корни течения можно наиболее легко обнаружить в двадцатилетии, предшествующем исторической выставке.

Параллельно выставкам в Салоне, набирали свои обороты выставки импрессионистов. В их работах демонстрировались новые тенденции в живописи. Это было упреком салонной культуре и выставочным традициям. В дальнейшем художникам-импрессионистам удалось привлекать на свою сторону почитателей новых веяний в искусстве.

Теоретические знания и формулировки импрессионизма стали складываться достаточно поздно. Художники предпочитали больше практики и собственных экспериментов над светом и цветом. В импрессионизме, прежде всего живописном, прослеживается наследие реализма, в нем ярко выражается антиакадемическая, антисалонная направленность и установка изображения окружающей действительности того времени. Некоторые исследователи отмечают, что импрессионизм стал особым ответвлением реализма.

Бесспорно, в импрессионистическом искусстве, как в каждом художественном течении, возникающем в период перелома и кризиса старых традиций, были сплетены, при всей его внешней цельности, различные и даже противоречивые тенденции.

Принципиальные особенности заключались в тематике работ художников, в средствах художественной выразительности. Книга Ирины Владимировой об импрессионистах включает несколько глав: «Пейзаж, природа, впечатления», «Город, места встреч и расставаний», «Увлечения, как образ жизни», «Люди и характеры», «Портреты и автопортреты», «Натюрморт». В ней также описываются история создания и местонахождение каждой работы.

В период расцвета импрессионизма художники находили гармоническое равновесие между объективной действительностью и ее восприятием. Художники старались запечатлеть каждый лучик света, движение ветерка, переменчивость природы. Для сохранения свежести картин импрессионисты создали оригинальную живописную систему, которая впоследствии оказалась очень важной для развития искусства в дальнейшем. Несмотря на общие тенденции направлений живописи, каждый художник нашёл свой творческий путь и основные жанры в живописи.

Классический импрессионизм представлен такими художниками как Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Жан Фредерик Базиль, Берта Моризо, Эдгар Дега.

Рассмотрим вклад некоторых художников в становление импрессионизма.

Эдуард Мане (1832-1883)

Первые уроки живописи Мане получил от Т. Кутюры, благодаря этому будущий художник приобрел массу необходимых профессиональных навыков. Из-за отсутствия должного внимания учителя к своим ученикам Мане покидает ателье мастера и занимается самообразованием. Он посещает выставки в музеях, на его творческое формирование большое влияние оказали старые мастера, особенно испанские.

В 1860-е Мане пишет две работы, в которых просматриваются основные принципы его художественного подчерка. «Лола из Валенсии» (1862) и «Флейтист» (1866) показывают Мане как художника, который раскрывает характер модели через передачу цвета.

Его идеи по технике нанесения мазков и отношение к цвету были приняты другими художниками-импрессионистами. В 1870-е Мане сближается со своими последователями и работает на пленэре без черного цвета на палитре. Приход к импрессионизму был результатом творческой эволюции самого Мане. Наиболее импрессионистическими картинами Мане считаются «В лодке» (1874) и «Клод Моне в лодке» (1874).

Мане также писал множество портретов разных светских дам, актрис, натурщиц, красивых женщин. В каждом портрете была передана неповторимость и индивидуальность модели.

Незадолго до своей смерти Мане пишет один из своих шедевров - «Бар Фоли-Бержер» (1881-1882). В этой картине сочетается сразу несколько жанров: портрет, натюрморт, бытовая сцена.

Н. Н. Калитина пишет: «Магия искусства Мане такова, что девушка и противостоит окружающему, благодаря чему столь четко раскрывается её настроение, и одновременно является частью, ибо весь задний план, смутно угадывающийся, неопределенный, волнующийся, также решен в сине-черных, голубовато-белых, желтых тонах».

Клод Моне (1840-1926)

Клод Моне являлся несомненным лидером и основателем классического импрессионизма. Основным жанром его живописи был пейзаж.

В юности Моне увлекался карикатурой и шаржем. Первыми моделями для своих работ были его учителя, товарищи. Для образца он использовал карикатуры в газетах и журналах. Он копировал рисунки в «Голуа» Э. Каржа, поэта и карикатуриста, друга Гюстава Кубре.

В колледже живопись Моне преподавал Жак-Франсуа Ошара. Но справедливо заметить влияние на Моне Будена, который поддерживал художника, давал ему советы, мотивировал на продолжение творчества.

В ноябре 1862 года в Париже Моне продолжил свое обучение в Париже у Глейра. Благодаря этому Моне познакомился у него в мастерской с Базилем, Ренуаром, Сислеем. Молодые художники готовились к поступлению в Школу изящных искусств, уважая своего учителя, который за свои уроки брал мало и в мягкой форме давал советы.

Моне создавал свои картины не как рассказ, не как иллюстрацию идеи или темы. Его живопись, подобно жизни, не имела четких целей. Он видел мир, не сосредоточиваясь на деталях, на каких-то принципах, он шел к «пейзажному видению» (термин историка искусства А. А. Федорова-Давыдова). Моне стремился к бессюжетности, слиянию жанров на полотне. Средством воплощения его нововведений были этюды, которым предполагалось стать законченными картинами. Все этюды рисовались с натуры.

Он писал и луга, и холмы, и цветы, и скалы, и сады, и деревенские улочки, и море, пляжи и многое другое, он обращался к изображению природы в разное время суток. Часто он писал одно и то же место в разное время, тем самым создавая целые циклы из своих работ. Принципом его работы было не изображение объектов на картине, а точная передача света.

Приведем несколько примеров работ художника - «Поле маков у Аржантёя» (1873), «Лягушатник» (1869), «Пруд с кувшинками» (1899), «Пшеничные стога»(1891).

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)

Ренуар относится к выдающимся мастерам светского портрета, кроме этого, он работал в жанрах пейзажа, бытовой сцены, натюрморта.

Особенность его творчества - интерес к личности человека, раскрытию его характера и души. В своих полотнах Ренуар пытается подчеркнуть ощущение полноты бытия. Художника привлекают развлечения и праздники, он пишет балы, прогулки с их движением и разнообразием персонажей, танцы.

Самые известные работы художника - «Портрет актрисы Жанны Самари», «Зонтики», «Купание на Сене» и др.

Интересен, что Ренуар отличался музыкальностью и в детстве пел в церковном хоре под руководством выдающего композитора и педагога Шарля Гуно в Париже в соборе Сен-Эсташ. Ш. Гуно настоятельно рекомендовал мальчику заниматься музыкой. Но в то же время Ренуар открыл в себе художественный талант - с 13 лет он уже научился расписывать фарфоровую посуду.

Занятия музыкой повлияли на становление личности художника. Целый ряд его работ связан с музыкальной тематикой. В них нашла свое отражение игра на фортепиано, гитаре, мандолине. Это картины «Урок игры на гитаре», «Молодая испанская женщина с гитарой», «Молодая дама за фортепиано», «Женщина, играющая на гитаре», «Урок фортепиано» и др.

Жан Фредерик Базиль (1841-1870)

По мнению его друзей-художников, Базиль был самым перспективным и выдающимся импрессионистом.

Его работы отличаются яркой цветовой гаммой и одухотворенностью образов. Большое влияние на его творческий путь оказали Пьер Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Клод Моне. Квартира Жана Фредерика для начинающих живописцев была своеобразной студией и жильем.

Базиль преимущественно писал на пленэре. Основной идеей его творчества было изображение человека на фоне природы. Первыми его героями на картинах были его друзья-художники; многие импрессионисты очень любили рисовать друг друга в своих работах.

Фредерик Базиль в совсем творчестве обозначил течение реалистического импрессионизма. Самая известная его картина - «Семейное воссоединение» (1867) - автобиографична. Художник изображает на ней членов своей семьи. Эта работа была представлена в Салоне и получила одобрительную оценку публики.

В 1870 году художник погиб в прусско-французской войне. Уже после смерти художника его друзья-художники организовали третью выставку импрессионистов, где были выставлены и его полотна.

Камиль Писсарро (1830-1903)

Камиль Писсарро - один из крупнейших представителей художников-пейзажистов после К. Моне. Его работы постоянно выставлялись в экспозициях импрессионистов. В своих работах Писсарро предпочитал изображать вспаханные поля, крестьянский быт и труд. Его картины отличались структурностью форм и четкостью композиции.

Позже художник стал писать и картины на городские темы. Н. Н. Калитина в своей книге отмечает: «Он смотрит на городские улицы из окон верхних этажей или с балконов, не вводя их в композиции».

Под влиянием Жорж-Пьера Сёра художник занялся пуантилизмом. Данная техника подразумевает собой наложение каждого мазка отдельно, словно ставя точки. Но творческие перспективы в этой области не реализовались, и Писсарро вернулся к импрессионизму.

Самыми известными картинами Писсарро стали «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно», «Оперный проезд в Париже», «Площадь французского театра в Париже», «Сад в Понтуазе», «Жатва», «Сенокос» и др.

Альфред Сислей (1839-1899)

Основным жанром живописи Альфреда Сислея был пейзаж. В его ранних работах видно преимущественно влияние К. Коро. Постепенно в процессе совместной работы с К. Моне, Ж. Ф. Базилем, П. О. Ренуаром в его работах начинают появляться светлые тона.

Художника привлекает игра света, изменение состояния атмосферы. К одному и тому же пейзажу Сислей обращался несколько раз, запечатлевая его в разное время суток. Приоритет в своих работах художник отдавал изображению воды и неба, которые менялись ежесекундно. Художник сумел добиться совершенства с помощью цвета, каждый оттенок в его работах несет своеобразную символичность.

Самые известные его работы: «Сельская аллея» (1864), «Мороз в Лувесьене» (1873), «Вид Монмартра с Цветочного острова» (1869), «Ранний снег в Лувесьенне» (1872), «Мост в Аржантее» (1872).

Эдгар Дега (1834-1917)

Эдгар Дега - это художник, начавший свой творческий путь с обучения в Школе изящных искусств. Он был вдохновлен художниками итальянского Возрождения, что оказало влияние на его творчество в целом. В начале Дега писал исторические картины, например, «Спартанские девушки вызывают на состязание спартанских юношей. (1860). Основным жанром его живописи является портрет. В своих работах художник опирается на классические традиции. Он создает произведения, отмеченные острым ощущением своего времени.

В отличие от своих коллег, Дега не разделяет радостный, открытый взгляд на жизнь и вещи, присущий импрессионизму. Художнику ближе критическая традиция искусства: сострадание судьбе простого человека, умение видеть души людей, их внутренний мир, противоречивость, трагедию.

Для Дега большую роль в создании портрета играют предметы и интерьер, окружающие человека. Приведем несколько работ в пример: «Дезире Дио с оркестром» (1868-1869), «Женский портрет» (1868), «Чета Морбилли»(1867) и др.

Принцип портретности в работах Дега прослеживается на протяжении всего его творческого пути. В 1870-е годы художник в полной красе изображает социум Франции, в частности Парижа в своих работах. В интересах художника - городская жизнь в движении. «Движение было для него одним из важнейших проявлений жизни, а способность искусства его передать - важнейшим завоеванием современной живописи», - пишет Н.Н. Калитина.

В этот период времени создаются такие картины как «Звезда» (1878), «Мисс Лола в цирке Фернандо», «Скачки в Эпсоме» и др.

Новым витком творчества Дега становится его интерес к балету. Он показывает закулисную жизнь балерин, рассказывает об их тяжелом труде и упорных тренировках. Но, несмотря на это, художнику удается найти воздушность и легкость в передаче их образов.

В балетной серии картин Дега видны достижения в области передачи искусственного света рампы, они говорят о колористическом даровании художника. Самые известные картины «Голубые танцовщицы» (1897), «Танцевальный класс» (1874), «Танцовщица с букетом» (1877), «Танцовщицы в розовом» (1885) и другие.

В конце жизни из-за ухудшения зрения Дега пробует свои силы в скульптуре. Его объектами становятся те же балерины, женщины, лошади. В скульптуре Дега старается передать движение, и для того чтобы оценить скульптуру, нужно рассмотреть её с разных сторон.