Барокко. Живопись

Наиболее известным и значительным художником итальянского барокко был Джовани Лоренцо Бернини (1598-1680). Он прославлял и абсолютизм и католицизм. Это был человек огромной творческой энергии, которой поражал разнообразием дарований: архитектор, скульптор, декоратор, живописец, рисовальщик. Он из тех редких художников, кто прожил долгую и безбедную жизнь. Фактически на протяжении всей жизни Бернини был диктатором художественной римской жизни.

С одной стороны, его творчество есть отражение требований церкви (не случайно церковь всегда покровительствовала его таланту); с другой - оно расширило возможности пространственных (пластических) видов искусства. С одной стороны, он составил славу католического искусства, с другой - он же «развратил» церковную пластику, создал скандальный, вертлявый, неприлично кокетливый тип религиозных статуй, который стал каноном на целый век.

Одна из знаменитых скульптур Бернини - Давид. Он представлен совсем по - иному, чем у Микеланджело. Там - покой, здесь - экспрессия, чувство, порывистое движение. То же можно видеть и на лице. Оно искажено гримасой гнева и ярости. Поистине неисчерпаемы библейские образы и их трактовка. В отличие от монументальности возрожденцев, Бернини стремится к конкретности изображения события.

Действие, динамика - стержень решения композиций Бернини («Похищение Прозерпины», «Аполлон и Дафна»). Этот великолепный художник сумел одним из первых (после античных скульпторов) подойти к проблеме передачи движения пространственным видом искусства.

Особенно выразительно это представляло в его скульптуре «Аполлон и Дафна» (история Аполлона и Дафны рассказана Овидием. Аполлнон преследует Дафну, дочь земли Геи и бога рек Пенея (или Ладона), давшую слово сохранить целомудрие и остаться безбрачной, подобно Артемиде. Она обратилась за помощью к богам, и боги превратили ее в лавровое дерево. Тщетно Аполлон обнимал его, назад в Дафну оно не превратилось. А лавр стал с этих пор излюбленным священным растением Аполлона). Бернини удивительно точно передал момент метаморфозы тела нимфы в корни, листья, ветви дерева. Камень передает и нежность кожи Дафны, и легкость волос, и поверхность появляющегося дерева. Наверное, впервые скульптура была столь откровенна и достоверна.

Бернини сумел подойти к жанру скульптурного портрета.

Портрет кардинала Шипионе Боргезе передает и дряблость кожи, и атлас мантии, и характерное движение, чувствуется человек самоуверенный, умный, чувственный, властный.

Бернини создал ряд замечательных так называемых парадных портретов (иногда говорят парадно - романтических).

Например, портрет Франческо д,Эсте изображает истинного властелина, суверена. Одним из самых характерных произведений Бернини в этом жанре является портрет Людовика XIV. Даже не зная, чей портрет перед нами, можно догадаться, что это король. Бернини показывает наряду с величием и аристократическую спесь, пустое высокомерие, эгоизм.

Э. Фукс в «Иллюстрированной истории нравов» пишет об эпохе барокко как раз как о «художественном отражении княжеского абсолютизма, художественной формуле величия, позы, представительственности… Выше монарха ни в идее, ни на практике нет никого… В лице, абсолютного государя на земле шествует, само божество. Отсюда великолепие, отсюда золотом сверкающая пышность, в которую облекается абсолютный монарх… чопорный, до мельчайших подробностей продуманный церемониал, которым обставлена каждая услуга, оказываемая ему с момента пробуждения и до минуты его погружения в сон»

Людовик XIV не умел ни читать, ни писать. Но тем не менее, отмечает э. Фукс, когда знаменитый Ж. Б. Кольбер (министр финансов с 1665 г.) узнал, что его сын причислен к придворным Людовика XIV, то усмотрел в этом высшее счастье. Он обращался к Людовику так: «Сир, наша обязанность благоговейно молчать и ежедневно благодарить Бога за то, что Он позволил нам родиться под скипетром государя, не признающего иных границ, кроме собственной воли». Искусство Бернини, явленное в портрете Людовика XIV, замечательно отражает психологию и язык эпохи абсолютизма.

В скульптурных работах Бернини захватывают патетика чувств, зрелищное великолепие, живописные эффекты, сочетание разных по фактуре и цвету материалов, использование света. Папские надгробия - фактически театральные мизансцены, все в них создано так, чтобы вызвать шквал эмоций (в частности, этим отличаются надгробия папы Александра VII папы Урбана VIII).

Не оставил Бернини без внимания и излюбленные культовые сюжеты XVII в. - мученичества, экстазы, видения и апофеозы. Так, сюжетом его знаменитой скульптурной композиции «Экстаз святой Терезы» послужило одно из писем испанской монахини XVI в., в котором она рассказала, как увидела ангела, посланного ей Богом. Бернини удалось передать внутреннее состояние этой монахини, что не приходилось еще делать никому из художников.

Персонажи композиции появляются перед зрителем неожиданно. Алтарная стена как бы раскрывается, колонны расступаются. Выполненные в белом мраморе фигуры Терезы и ангела напоминают видение. Но для Терезы ангел - реальность. Прекрасно запечатлен момент высшего душевного волнения. Голова запрокинута, рука бессильно повисла. Изломанные складки одежды только усиливают страстность переживания. Перед нами действительно мучительный и сладостный экстаз. (Налицо совершенно определенная ориентация западного католического искусства на переживание, а не на мистическое чувство. В скульптуре, воссоздающей совершенно точное религиозное чувство, безусловно, присутствует сильный налет эротизма, чего никогда не было, например, в русской иконе.) в композиции особую роль играет свет, отражающийся от латунных лучей, что также усиливает переживание. Скульптурная композиция находится в капелле Корнаро.

Творчество Бернини отличается еще и тем, что он ищет для усиления выразительности новые приемы, обращается к синтезу искусств (скульптура и архитектура). Например, балдахин и кафедра в соборе св. Петра. Бернини извлекает из традиционных материалов невиданные пластические эффекты.

К прекраснейшим созданиям Бернини принадлежат фонтаны, исполненные огромной динамической силы. Здесь интересен союз скульптуры и воды. Например, знаменитый фонтан Тритон, фонтан «Четырех рек». Фонтаны Бернини стали неотъемлемой частью архитектуры Рима.

Бернини остался в истории и как знаменитый архитектор. В зодчестве барокко исчезает гармония форм, присущих архитектуре Возрождения. Вместо равновесия частей - их борьба, контрасты, динамическое взаимодействие.

Усложняется рельеф стены, формы повышено пластичны, как бы подвижны, они «порождают» и продолжают друг друга. Архитектура барокко как бы втягивает человека в свое пространство.

К творениям Бернини относится церковь Сант Андреа аль Квиринале (фасад словно изгибается, ограда вогнутой формы, полукруглые ступени, в основе плана церкви очертания эллипса, интерьер обходят капеллы - ниши; ниши, колонны, пилястры, скульптура видны в сложных ракурсах, что создает впечатление их бесконечного разнообразия; интересно и решение купола: кессоны расположены уменьшающимися в размерах к центру, что создает иллюзию особенной легкости купола и особой устремленности его ввысь.

Очень интересно и решение «Королевской лестницы» в Ватикане. Различными перспективными приемами Бернини создает иллюзию ее огромного масштаба и протяженности.

Во дворце Барберини помещения расположены анфиладой, по одной оси, и это постепенное раскрытие, своеобразное «движение» пространства задавало приподнято - величавый ритм праздничным церемониям.

Площадь перед собором святого Петра - одно из великих творений Бернини.

Две галереи, переходящие в колоннаду, охватывают пространство площади, «подобно распростертым объятиям», по выражению Бернини. Центр площади (ее общая глубина 280 м) отмечен обелиском, фонтаны по сторонам от него определяют ее поперечную ось. Площадь перед собором особенно отчетливо выявляет архитектурный гений Бернини, его способность моделировать пространство. Направляясь к собору, человек должен идти под колоннадой или вдоль нее, поэтому он воспринимает здание с различных точек зрения и в единстве с колоннадой и фонтанами.

Бернини добился впечатления композиционного единства собора - здания, строившегося различными мастерами на протяжении двух столетий. Фасад собора вырастает перед идущим в момент непосредственного приближения к нему, но грандиозная площадь уже психологически настраивает человека на это восприятие (один из принципов барокко - неожиданность, стремление поразить воображение, все это присутствует у Бернини). Площадь перед собором считается лучшим архитектурным ансамблем Италии XVII в. (И. Прусс).

Все это, вместе взятое, усиливало настроение религиозной патетики.

Архитектурное творчество Бернини подтверждает эмоциональное начало.

Церковь Сант - Карла знаменитого Франческо Борромини представляет собой со стороны фасада поистине живой организм, в ней присутствует беспокойный ритм архитектурных форм. Она предстает как эффективное декоративное зрелище.

Живописец Караваджо (1573-1610) - олицетворение безудержного темперамента в живописи. Характерной чертой его творчества является типаж. В его творчестве представлены народные образы («Мученичество апостола Петра»).

Особое место в направлении барокко занимает Питер Пауль Рубенс. Этот фламандский художник многими искусствоведами относим к барочному направлению в искусстве.

Рубенс - ярчайший представитель эпохи барокко. Стремление к торжественному «большому стилю» (следствие утверждения европейских монархий) сочеталось в барокко с отношением к миру как сложному и изменчивому целому. Отсюда - все то, что считается «фирменным» знаком барокко: контрастность, напряженность, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии.

Питер Пауль Рубенс родился 28 июня 1577 года в Зигене, в Вестфалии (ныне это часть Германии). Он был седьмым ребенком в семье юриста Яна Рубенса. Долгое время семья Рубенсов жила в Антверпене, но в 1568 году переехала в Кельн. Дело в том, что около этого времени Ян стал склоняться к протестантизму, что вызвало сильное недовольство со стороны местной католической общины. В Кельне он получил должность секретаря при Анне Саксонской, жене Вильгельма I Оранского.В 1591 году Рубенс начал учиться живописи. Некоторое время он работал подмастерьем у Тобиаса Верхахта; около четырех лет -- у Адама ван Норта; еще два года -- у Отто ван Вена. В 1598 году его, наконец, приняли в Гильдию художников св. Луки. Первые учителя Рубенса были весьма посредственными живописцами, однако учеба у ван Вена пошла Рубенсу на пользу. В мае 1600 года Питер Пауль отправился в обетованную страну художников. Он прожил в Италии восемь лет, которые и определили его будущее. Вряд ли кто-нибудь из североевропейских живописцев, приезжавших в те годы в Италию, погрузился в итальянскую культуру так же глубоко, как Рубенс. В октябре 1608 года Рубенс получил извещение о том, что его мать тяжело больна. Он поспешил в Антверпен, но увидеть свою мать живой ему уже не довелось. 23 сентября 1609 года Рубенс получил место придворного художника при дворе эрцгерцога Альберта и его жены Изабеллы, правивших тогда Фландрией от имени испанской короны, а спустя десять дней женился на 17-летней Изабелле Брант. В следующем году Рубенс окончательно обосновался во Фландрии, купив большой дом в Антверпене.На протяжении следующего десятилетия Рубенс активно участвовал в этой работе, создавая один за другим удивительные алтарные образы. Среди них выделяются триптихи «Водружение креста» и «Снятие с креста», написанные для Кафедрального собора Антверпена. Первый жестокий удар судьба нанесла ему в 1623 году, когда умерла дочь Рубенса (у него было еще два сына), а второй -- в 1626 году, когда скончалась его жена («друг и незаменимый помощник», как писал сам Рубенс в одном из своих писем).Счастье сопутствовало художнику и в личной жизни. В 1630 году Рубенс женился на 16-летней Елене Фоурмен, племяннице своей первой жены. Этот брак, как и первый, оказался очень удачным. У Рубенса и Елены родилось пятеро детей (последняя их дочь появилась на свет через восемь месяцев после смерти художника). В 1635 году Рубенс приобрел замок Стен, расположенный приблизительно в 20 милях к югу от Антверпена. Живя в замке, он очень полюбил писать местные пейзажи.30 мая 1640 года, находясь в Антверпене, Рубенс неожиданно скончался от сердечного приступа. Художника, которому исполнилось 62 года, оплакивал весь город.

Как только не называли этот стиль! – Странный, склонный к излишествам, нелепый, вычурный, неестественный...

Поначалу эти характеристики звучали как насмешка. И всё только потому, что новый стиль не соответствовал канонам античного искусства, на основании которых должно строиться художественное произведение и которые в дальнейшем использовали классицизм и рационализм. То есть, только так и не иначе.

Но, как известно, нет ничего постоянного в мире: всё течёт, изменяется и приобретает новые качества и приоритеты. И вот новый XVII век ознаменовался новым стилем. Этот стиль подчинил себе все виды искусства: от интерьеров и одежды до музыки. Но придёт время – и его потеснит другой стиль...
В какой стране могло зародиться барокко? Конечно же, в Италии. Именно Италия была центром европейской культуры XVII-XVIII вв., и уже отсюда началось триумфальное шествие барокко по Европе. В каждой стране барокко имело свои особые национальные черты.

Особенности стиля барокко

Самыми главными чертами барокко являются его стремление к пышности и величию. Барокко были свойственны также динамичность, контрастность, что сильно отличало его от ренессансной гармонии.
Если говорить об эпохе и людях, живших в это время, то можно увидеть особое увлечение развлечениями, карточными играми, именно в это время стали популярны маскарады, фейерверки, вычурные женские причёски, корсеты, неестественно расширенные юбки на каркасах, а у мужчин – напудренные парики, бритое лицо и т.д. Как видим, сильное отступление от естественной жизни, которая отвергалась как дикость и бесцеремонность. Стоит только вспомнить, сколько сил прилагал Пётр I , чтобы «облагородить» русское общество того времени. В подготовленном по его указанию сборнике «Юности честное зерцало» вторая его часть полностью посвящена правилам поведения для «младых отроков» и девушек дворянского сословия. Фактически, это первый в России учебник этикета. Юному дворянину рекомендовалось учиться в первую очередь иностранным языкам, верховой езде, танцам и фехтованию. Добродетелями девушки признавались смирение, почтение к родителям, трудолюбие и молчаливость, целомудрие. Сочинение регламентировало практически все стороны общественной жизни: от правил поведения за столом до государственной службы. Книга формировала новый стереотип поведения светского человека, избегающего дурных компаний, мотовства, пьянства, грубости и придерживающегося европейских светских манер.

Барокко в живописи

Те же особенности барокко и в живописи: пышность форм, броские динамичность и яркость, незаурядность сюжетов. Самыми знаменитыми представителями этого стиля в живописи были Рубенс и Караваджо.

Питер Пауль Ру́бенс (1577-1640)

Южнонидерландский (фламандский) живописец, воплотивший подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко.

П.П. Рубенс «Автопортрет» (1623)
Его картины отличаются исключительным разнообразием, особенно это касается композиции: он использует диагональ, эллипс, спираль. Его палитра также разнообразна; богатство красок – отличительная особенность его картин. «Рубенсовские» женщины обычно несколько тяжеловесны, но привлекают своей грузной женской формой.

П.П. Рубенс «Похищение дочерей Левкиппа» (1618)
Сюжетом этой картины Рубенса является миф о братьях Касторе и Поллуксе (сыновьях Зевса и Леды), которые похитили дочерей царя Левкиппа – Гилаиру и Фебу. В этом сюжете Рубенса увлёк сам драматический момент похищения, дающий богатые возможности для пластических решений. На картине удивительным образом передана динамика движения. Движение в понимании Рубенса несёт в себе и эмоциональный порыв, и сюжетный смысл.
Рубенса считают новатором в изображении охотничьих сцен, которые также отличаются динамикой, неожиданной композицией и сочностью красок.

П.П. Рубенс «Охота на гиппопотама» (1618)

Архитектура барокко

Архитектура барокко поражает в первую очередь сложностью и размахом. Обилием сложных, обычно криволинейных форм, масштабными колоннадами. На фасадах зданий и в интерьерах – изобилие скульптуры. Часто многоярусные купола сложных форм. Бесконечное повторение, дублирование одних и тех же приемов.

Собор св. Петра (Ватикан)
И. Грабарь так пишет о римской архитектуре эпохи барокко: «Неврастеническая восторженность удваивает и утраивает все средства выражения: уже мало отдельных колонн, и их, где только можно, заменяют парными; недостаточно выразительным кажется один фронтон, и его не смущаются разорвать, чтобы повторить в нем другой, меньшего масштаба. В погоне за живописной игрой света архитектор открывает зрителю не сразу все формы, а преподносит постепенно, повторяя их по два, по три и по пяти раз. Глаз путается и теряется в этих опьяняющих волнах форм и воспринимает такую сложную систему подымающихся, опускающихся, уходящих и надвигающихся, то подчеркнутых, то теряющихся линий, что не знаешь, которая же из них верная? Отсюда впечатление какого- то движения, непрырывного бега линий и потока форм. Своего высшего выражения этот принцип достигает в приеме «раскреповок», в том многократном дроблении антаблемента, которое вызывает вверху здания прихотливо изгибающуюся линию карниза. Прием этот возведён мастерами барокко в целую систему, необыкновенно сложную и законченную. Сюда же надо отнести и прием групповых пилястр, когда пилястры получают по сторонам ещё полупилястры, а также прием плоских рам, обрамляющих междупилястровые интервалы». Такими средствами в архитектуре взамен ренессансного идеала ясной, устойчивой и завершенной в себе гармонии создавалось «призрачное ощущение».

Отличительные детали барокко – атланты (теламоны), кариатиды – для поддержки сводов, играющие роль колонн; маскароны (вид скульптурного украшения здания в форме головы человека или животного анфас).

Пожалуй, именно в архитектуре барокко представлено во всей полноте и разнообразии. Всех архитекторов этого стиля сложно даже перечислить, назовём лишь несколько имён: Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б. Ф. Растрелли в России, Ян Кристоф Глаубиц в Польше.
В итальянской архитектуре самым знаменитым представителем барокко был Карло Мадерна (1556-1629 гг.). Его главное творение – фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 г.).

Санта Сусанна (Рим)
Скульптор Лоренцо Бернини был также архитектором. Ему принадлежит оформление площади собора св. Петра в Риме и интерьеры, а также другие строения.

Площадь собора св. Петра в Риме
Стиль барокко получает распространение в Испании, Германии, Бельгии (Фландрии), Нидерландах, России, Франции, Речи Посполитой (Польше). В начале XVIII в. во Франции появился свой стиль, разновидность барокко – рококо . Он преобладал не во внешнем оформлении зданий, а только в интерьерах, а также в оформлении книг, в одежде, мебели, живописи. Стиль был распространен повсюду в Европе и в России. Но о нём мы расскажем позже. Сейчас же остановимся на русском барокко.

Барокко в России

В России барокко появилось ещё в конце XVII в. (его называли «нарышкинским барокко», «голицынским барокко»). В правление Петра I получает развитие в Санкт-Петербурге и пригородах в творчестве Д. Трезини так называемое «петровское барокко» (более сдержанное), оно достигает расцвета в правление Елизаветы Петровны в творчестве С. И. Чевакинского и Б. Растрелли.

Петровское барокко

Этим термином пользуются историки искусства для характеристики художественного стиля, одобренного Петром I и широко использованного для проектирования зданий в новой российской столице Санкт-Петербурге.
Это был архитектурный стиль, ориентировавшийся на образцы шведской, немецкой и голландской гражданской архитектуры. Хотя сводить всё многообразие архитектурных решений петровских архитекторов к барокко можно только с известной долей условности, т.к. здесь присутствуют черты классицизма и готики.
Архитектуре петровского времени свойственны простота объёмных построений, чёткость членений и сдержанность убранства, плоскостная трактовка фасадов. В отличие от нарышкинского барокко, популярного в это время в Москве, петровское барокко представляло собой решительный разрыв с византийскими традициями, которые доминировали в российской архитектуре почти 700 лет. Голицынское барокко имело сходство с итальянскими и австрийскими образцами.
К числу первых строителей Петербурга принадлежат Жан-Батист Леблон, Доменико Трезини, Андреас Шлютер, Дж. М. Фонтана, Николо Микетти и Г. Маттарнови. Все они прибыли в Россию по приглашению Петра I. Каждый из этих архитекторов вносил в облик сооружаемых зданий традиции своей страны, той архитектурной школы, которую он представлял. Курируя осуществление их проектов, традиции европейского барокко усваивали и русские зодчие, как, например, Михаил Земцов.

Петровские ассамблеи

Они были прообразом дворянского бала. Пётр I ввёл ассамблеи в культурную жизнь русского общества в декабре 1718 г.
Идея была заимствована Петром из форм проведения досуга, виденных им в Европе. Они проводились во все времена года, летом – на открытом воздухе. В программу ассамблей входили еда, напитки, танцы, игры и беседы. Согласно указу, посещение ассамблей было обязательно не только для дворян, но и для их жён, за чем зорко следил «царь балов» Ягужинский. Вчерашние бояре всячески пытались уклониться от участия в ассамблеях, не желая одеваться по новой моде и считая подобное времяпрепровождение неприличным. Недовольство вызывало и участие в увеселениях женщин. Для упреждения «прогулов» Ягужинский просматривал списки приглашённых на ассамблеи и вычислял «нетчиков». Вот так тяжело приживалась европейская мода (в данном случае стиль барокко) в России.

Доменико Трезини (1670-1734)

Итальянец, родившийся в Швейцарии. С 1703 г. работал в России, став первым архитектором Санкт-Петербурга. Трезини заложил основы европейской школы в русской архитектуре.

Петропавловский собор – одна из самых известных работ Доменико Трезини
Другие его работы:
Проект комплекса Александро-Невской лавры (1715 г.)
Аничков мост (1721 г.). Перестроен для увеличения пропускной способности переправы. Новый проект – деревянный 18-пролётный мост, в середине разводной пролёт. Строительство вёл голландский мастер Х. ван Болос.

Аничков мост (современный вид)
Петропавловский собор (1712-1733 гг.) Возведён на месте одноимённой деревянной церкви. Шпиль колокольни с фигурой летящего ангела водружён голландским мастером Х. ван Болосом.
Дом Трезини (1721-1726 гг.). Проектирование осуществлял сам Трезини, строительством занимался М. Земцов.
Расширение Зимнего дворца Петра I для Екатерины I (1726-1727 гг.)

Бартоломе́о Франче́ско Растре́лли (1700-1771)

Л.К. Пфандцельт «Портрет Растрелли»
Русский архитектор итальянского происхождения, академик архитектуры Императорской Академии художеств. Наиболее яркий представитель так называемого елизаветинского барокко.
Его работы:

Рундальский дворец (Латвия). Выстроен в стиле барокко по проекту Ф. Б. Растрелли для Э. И. Бирона в 1736-1740 гг.).
Митавский дворец (Латвия). Построен в XVIII в. по проекту Бартоломео Растрелли как парадная городская резиденция герцогов Курляндии и Семигалии в их столице Митаве (ныне Елгава).
Большой дворец (Петергоф). Расположен на южном берегу Финского залива.

Андреевская церковь (Киев). Православный храм в честь апостола Андрея Первозванного; построен в стиле барокко по проекту Бартоломео Растрелли в 1754 г.
Смольный собор (1748-1764), Воронцовский дворец (1749-1757), Большой Екатерининский дворец (1752-1756) – все в Санкт-Петербурге; павильон «Грот» в Царском Селе (1753-1757), павильон «Эрмитаж» в Царском Селе (1744-1754), Царский дворец в Киеве (1752-1770), Строгановский дворец и Зимний дворец в Санкт-Петербурге (1753-1762).

Зимний дворец (Эрмитаж)
Перечислены только сохранившиеся постройки этого архитектора. К сожалению, не всё, созданное Растрелли, сохранилось до настоящего времени.

Барокко в скульптуре

Величайшим скульптором и признанным архитектором XVII в. был итальянец Лоренцо Бернини.

Джованни Лоренцо Бернини (1598-1680)

Д.Л. Бернини «Автопортрет»
Самыми известными его скульптурами являются мифологические сцены похищения Прозерпины богом подземного царства Плутоном и чудесного превращения в дерево нимфы Дафны, преследуемой богом света Аполлоном, а также алтарная группа «Экстаз святой Терезы» в одной из римских церквей. Эта скульптура с вырубленными из мрамора облаками и словно развевающимся на ветру одеянием персонажей, с театрально преувеличенными чувствами, очень точно выражает позицию скульпторов этой эпохи.

Д.Л. Бернини «Похищение Прозерпины» (1621-1622). Галерея Боргезе

Д.Л. Бернини «Экстаз святой Терезы»

Литература барокко

В литературе барокко у писателей и поэтов проявилась тенденция воспринимать реальный мир как иллюзию или сон. Часто использовались аллегорические изображения, символы, метафоры, театральные приёмы, антитезы, риторические фигуры. Заметна тяга к символике ночи, теме бренности и непостоянства, жизни-сновидения. Одна из пьес П. Кальдерона так и называется: «Жизнь есть сон». Действия романов часто переносятся в вымышленный мир античности, в Грецию, придворные кавалеры и дамы изображаются в виде пастушков и пастушек, что получило название пасторали . В поэзии – вычурность, использование сложных метафор. Распространены сонет, рондо, кончетти (небольшое стихотворение, выражающее какую-нибудь остроумную мысль), мадригалы (любовно-лирическое музыкально-поэтическое произведение).
В России к литературе барокко относятся С. Полоцкий, Ф. Прокопович.

Симео́н По́лоцкий (в миру Самуил Гаврилович Петровский-Ситнянович,1629-1680)

Деятель восточнославянской культуры, духовный писатель, богослов, поэт, драматург, переводчик, монах-базилианин, придворный астролог. Был наставником детей русского царя Алексея Михайловича: Алексея, Софьи и Фёдора.
Он также был одним из первых русских поэтов, автором силлабических виршей на церковнославянском и польском языках. Кроме стихотворного переложения Псалтири под названием «Псалтырь Рифмотворная», Полоцкий написал множество стихотворений, составивших сборник «Рифмологион», в которых воспевал разные события из жизни царского семейства и придворных, а также множество нравственно-дидактических поэм, вошедших в «Вертоград Многоцветный». Это сборник является вершиной творчества Симеона Полоцкого, а также одним из наиболее ярких проявлений русского литературного барокко.
С. Полоцкий написал также две комедии (школьные драмы) для зарождавшегося театра, особенным успехом пользовалась «Комедия притчи о Блудном сыне».

Музыка барокко

Музыка барокко появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке классицизма . Вычурные формы, сложность, пышность и динамика были свойственны и музыке. Но многие произведения времени барокко стали классикой и исполняются до настоящего времени: фуги Иоганна Себастьяна Баха, произведения Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечерня» Клаудио Монтеверди.

Э.Г. Осман (Хаусманн) «Портрет И. С. Баха»
Для барочной музыки характерен музыкальный орнамент, ставший в расцвете стиля весьма изощрённым, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений. В эпоху барокко появилась опера . Многие музыкальные термины барокко используются до сих пор.

Ф.М. де Ла Каве «Портрет А. Вивальди»

Мода барокко

Мода эпохи барокко соответствует во Франции периоду правления Людовика XIV, второй половине XVII в. Это было время абсолютизма. При дворе царили строгий этикет, сложный церемониал. Костюм был подчинен этикету. Именно Франция была законодателем моды в Европе, поэтому в других странах быстро переняли французскую моду: в Европе установилась общая мода, а национальные особенности сохранились только в народном крестьянском костюме. До Петра I европейские костюмы в России почти не носили.
Костюм отличался чопорностью, пышностью, изобилием украшений. Идеалом мужчины был Людовик XIV, «король-солнце», искусный наездник, танцор, стрелок. Он был низок ростом, поэтому носил высокие каблуки.

Н. де Ларжильер «Портрет Людовика XIV с семьёй»
Поскольку Людовика короновали в возрасте 5 лет, то в моду вошли короткие курточки (брасьер), украшенные кружевами, штаны (ренгравы), похожие на юбку, тоже обильно украшенные кружевами. Жюстокор – тип кафтана, длиной до колен, его носили застегнутым, поверх него – пояс. Под кафтан надевали камзол без рукавов. Кафтан и камзол через 200 лет превратятся в пиджак и жилет. Воротник у жюстокора сначала был отложной, с полукруглыми вытянутыми вниз концами, а позже его сменило жабо. Кроме кружев, на одежде было много бантов. До Людовика XIII были популярны сапоги (ботфорты). В сапогах ходили даже на балах. Их продолжали носить и при Людовике XIV, но только уже в военных походах. В гражданской обстановке на первое место вышли туфли. До 1670 г. они украшались пряжками, а затем бантами. Сложно украшенные пряжки называли аграф.
Мужчины носили пышные парики, высоко торчащие вверх и распускавшиеся по плечам. Парики вошли в обиход при Людовике XIII, который был лыс. Позже они стали намного пышнее. Шляпы в 1660-е годы были широкополые с высокой тульей. В конце века их сменила треуголка, которая осталась популярной и в XVIII в.

Барокко в одежде
Женское платье было на подкладке из китового уса. Оно плавно расширялось к низу, сзади носили шлейф. Полный женский костюм состоял из двух юбок: нижней (фрипон, светлой) и верхней (модест, более тёмной). Нижняя юбка была видна, верхняя расходилась в стороны от нижней части лифа. По сторонам юбку украшали драпировки. Драпировки были также и по краю декольте. Талия - узкая, под платьем носили корсет.
В 1660-е годы модны были прически манчини и севинье, а позже в моду вошла прическа фонтанж. Это высокая прическа из множества локонов.

В моду вошли зонтики, у женщин – муфты, веера. Косметика использовалась без меры: лепили на лице всевозможные мушки (чёрная мушка создавала контраст с напудренными лицами и париками). Мужчины и женщины носили трости.
Популярными материалами того времени были шерсть, бархат, атлас, парча, тафта, муар, камлот, хлопок.

Барокко в интерьере

Здесь характерна показная роскошь. Большое распространение получила настенная роспись, хотя она была популярна и ранее.

Интерьер барокко
В интерьерах использовалось много цвета и крупных, богато украшенных деталей: потолок, украшенный фресками, мраморные стены, позолота. Характерны были цветовые контрасты, например, мраморный пол, оформленный плитками в шахматном порядке. Обильные позолоченные украшения – также характерная черта барокко.
Мебель была предметом искусства и предназначалась для украшения интерьера. Стулья, диваны и кресла обивались дорогой тканью. Были широко распространены огромные кровати с балдахинами и струящимися вниз покрывалами, гигантские шкафы.

Зеркала украшались скульптурами и лепниной с растительным узором. В качестве материала для мебели часто использовался южный орех и цейлонское чёрное дерево.
Стиль барокко подходит только для больших помещений, так как массивная мебель и украшения занимают большой объём в пространстве. Кстати, уже есть тенденция к его возвращению - некоторые обустраивают свои квартиры в этом стиле.

Название нового стиля происходит от итальянского слова barocco, что значит «причудливый, странный, склонный к излишествам», или от названия жемчужины неправильной формы – perola baroca.

Этот стиль появился в ХVI – XVII вв. в итальянских городах Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции, и затем распространился на другие страны Европы (вплоть до середины ХVIII в.) Искусство барокко призвано было прославлять могущество знати и церкви (в особенности католической), создавать в храмах и дворцах атмосферу пышности и великолепия, а также внушать идеи свободы и созидательной мощи человека.

Главные особенности этого стиля – торжественность, величавость, способность выразить наслаждение жизнью и её полноту. А также – монументальность и динамизм. Язык этой живописи богат контрастами, игрой света и тени, оттенками цвета. Все эти средства направлены к одной цели – максимальной выразительности чувства и мысли.

Художник барокко черпает свои сюжеты из Библии и античной мифологии – они наиболее уместны в храмах и дворцах. Земная жизнь являет себя разве что в портретах (поскольку они пишутся с натуры), а также в произведениях художников независимого духа и незаурядной смелости (самый яркий пример – Караваджо.

Караваджо "Вакх"

Эпоха барокко породила множество художников различных специальностей – живописцев, скульпторов, архитекторов, ювелиров и пр. Это было естественным следствием социально-экономических преобразований общества в данную эпоху. Мелкие княжества объединяются в государства, образуются монархии с самодержавной властью короля, поддержанной властью высшего духовенства. Обновляются экономические и политические основы жизни общества. Появляется широкий контингент заказчиков живописи, скульптуры и прочих искусств. Художники оказываются весьма востребованы. Естественно, они выполняют социальный заказ – поддержка идеологии и удовлетворение вкусов владельцев капитала.

Однако – такова неодолимая сила искусства – помимо классовых заказов, оно служит также выражению общечеловеческих идей и стремлений. В этом можно убедиться, рассматривая произведения художников стиля барокко.

В данном тексте речь пойдёт о немногих, но наиболее признанных во все времена живописцах, в творчестве которых сосредоточены все самые характерные особенности данного стиля – так наз. парадигмы.

Небольшой перечень мастеров барокко:

Фландрия : Петер Пауль Рубенс (1577–1640), Франс Снейдерс (1579–1657), Давид Тенирс мл. (1610–1690), Антони Ван Дейк (1599-1641)

Италия : Аннибале Карраччи (1560–1609), Гвидо Рени (1575–1642), Доменико Фетти (1589–1623)

Голландия : Рембрандт Ван Рейн (1606–1669), Ван Гойен (1596–1656), Соломон Ван Рюисдаль (1600–1670)

Испания : Диего Веласкес (1599–1660), Хусепе де Рибера (1591-1652), Франсиско Зурбаран (1598-1664), Мурильо Бартоломе Эстебан (1617-1682).

Время – самый справедливый судья искусства. Четыре столетия европейского барокко сохранили для нас имена и произведения самых гениальных живописцев этой эпохи – тех, кто и теперь, в наше время вызывают живой отклик в нашей душе. Подобно Святой Троице – их три: Рубенс, Веласкес и Рембрандт. Их произведения воплощают всё самое характерное и ценное, что принёс в культуру человечества стиль барокко.

Петер Пауль Рубенс

Петер Пауль Рубенс "Бичевание Христа"

Этот библейский мотив трактован вполне реалистически – мы видим страшный эпизод так, как будто являемся свидетелями его в жизни. Мы слышим свист бича и звук ударов, ощущаем всю материальность этих тел, бешеную энергию палачей и страдальческую покорность Христа. Сама по себе композиция картины и динамика жестов вызывают ощущение злобной звериной силы, терзающей беззащитное тело скованного Человека.

Эта картина – суровое осуждение жестокости и нечестия. Несомненно, бичеватели будут гореть в адском пламени вместе с теми, кто поручил им богопротивное дело.

Петер Пауль Рубенс "Благовещение"

Рубенс нашёл свой оригинальный приём для изображения чувств Марии, воспринявшей благую весть от архангела Гавриила. Она трепещет от радостного испуга – её тело принимает форму синусоиды. Над нею летает голубь-дух и ангелы в столбе света. Все каноны барокко выдержаны, но Мария, на наш взгляд, недостаточно проникнута святостью – несколько простовата лицом.

Петер Пауль Рубенс "Битва амазонок"

Эта картина – дань воинственному духу эпохи. Она призвана вдохновлять граждан обоих полов на ратные подвиги. Здесь как нельзя кстати барoчный переизбыток движения, энергии и обнажённых тел.

Петер Пауль Рубенс "Вакх"

Бог вина и веселья, надутый, как мех с молодым вином, олицетворяет грех чрезмерности в потреблении алкогольных напитков. Здесь в полной мере проявилась барoчная страсть к огромному и сугубо-материальному, доходящая до раблезианского снижения всего возвышенного.

Петер Пауль Рубенс "Одиссей и Навсикая"

Барокко высоко чтит и превозносит Природу. В пейзажах этого стиля небо огромно, даль безбрежна, горы величественны, а люди на этом фоне – ничтожны, даже если это такие герои классического эпоса, как Одиссей и Навсикая.

Диего Веласкес

Диего Веласкес "Автопортрет"

В его глазах мы читаем глубокую скорбь о бедствиях страны и разорении народа Испании злосчастного ХVII-го века. Прекрасное лицо Художника окружено непроницаемым мраком – это цвет черных дел испанских королей, католической церкви и инквизиции. Но всё же народная сила жизни ещё не угасла – это мы увидим на картинах Веласкеса, видим также и на его автопортрете – как бодро закручены его усы! Мы ещё поборемся!

Диего Веласкес "Кузница Вулкана"

Если бы не фигура Аполлона с сияющим нимбом вокруг головы – картина было бы вполне реалистической и жанровой. Кузнецы, занятые своим делом, видят молодого бога, принесшего поразительную весть и активно реагируют на неё. Разнообразие их движений, выразительность мимики и обнажённые тела – всё это входит в арсенал средств барокко, но на смену фантастике пришли наблюдения натуры. Очень красноречива лежащая на наковальне раскалённая полоса – метафора гнева Вулкана, а также наклон его корпуса – не только от хромоты, но и от нахлынувших чувств.

Диего Веласкес "Водонос"

Эту картину можно отнести к стилю барокко только по одному признаку: по контрасту глубокого мрака с яркой белизной. В остальном она принадлежит стилю «реализм ХVII века», в своих лучших произведениях достигающему высот метафизического искусства. Старик-водонос – не просто трудящийся человек, добывающий нелёгким трудом свой скудный хлеб насущный. Это человек, который свою жизнь полагает на то, чтобы снабжать человечество самым необходимым – чистой водой. Он доставляет людям не просто воду – это святая вода жизни, утоляющая жажду Знания и Веры. Мы читаем эту мысль на лице мальчика, принимающего бокал с водой. Старик изображён в профиль, что делает его фигуру монументальной, (в духе старинных медалей) и значительной; даже прореха на его одежде выглядит как благородная деталь костюма, а огромный кувшин образует пластическую рифму с его высокой и крепкой фигурой.

Диего Веласкес "Мария и Марфа"

Здесь Художник достигает такого психологизма, какой впору бы русским передвижникам ХIХ века. (Лк. 10:38-42). Марфа, обиженная замечанием Иисуса, вот-вот готова заплакать. Щёки её раскраснелись, и глаза жалобно смотрят на зрителя картины, ища у него моральной поддержки. Ведь должен кто-то позаботиться о трапезе для гостей? Ведь сам Иисус не осудил учеников, когда они жевали колосья в поле, несмотря на постный день. «Суббота для человека, а не человек для субботы», - сказал Он (Мр. 2:27).

Готовить ужин для самого Спасителя – тоже богоугодное дело.

Вполне реалистически изображён натюрморт на столе и сцена беседы Христа с Марией (впрочем, реализм этот можно назвать «метафизическим»).

Диего Веласкес "Прядильщицы"

Это полотно – редкое по жизнеутверждающей силе и оптимистическому настроению. Здесь царит творческий труд, Искусство и Красота. Трудами этих простых женщин создаётся замечательный гобелен в стиле барокко, полный движения и гармоничных красок. (К сожалению, приведенная здесь репродукция не передаёт колорита картины, светлого и воздушного).

(рис. 206, 207, 208) Замечательны также портреты и жанровые картины Веласкеса, изображающие Человека не столько в его единичности и особенности, сколько в общечеловеческом плане – как тот или иной тип личности.

Диего Веласкес "Старая кухарка"

Диего Веласкес "Трое за столом"

Диего Веласкес "Папа Иннокентий"

РЕМБРАНДТ ван Рейн

Об этом великом художнике написано очень много, и каждый пишущий находил в творчестве Мастера всё новые и новые достоинства. В нашем кратком обзоре обратим внимание на стилевые признаки работ голландского художника, и в особенности на то, как в его живописи мир отображается во всей своей неприкрытой реальности, однако, при этом взгляд Мастера умеет проникать в глубину вещей и явлений.

РЕМБРАНДТ ван Рейн "Автопортрет"

Мы видим здесь один из многих автопортретов Рембрандта. Повторяя этот сюжет много раз, он как бы следовал заповеди античной мудрости: «Познай самого себя» На этом портрете всё как будто традиционно: широкая шляпа, тёмный фон, трёхчетвертной поворот головы. Во взгляде – только внимание, без каких-либо эмоций. На лице почти отсутствует светотень. Портрет вполне реалистичен.

РЕМБРАНДТ ван Рейн "Аристотель с бюстом Гомера"

Лицо Аристотеля повторяет черты лица самого Рембрандта. Античный философ положил руку на голову великого поэта, как бы желая позаимствовать его мудрость и гениальность. В глазах философа – глубокая мысль, а на груди серебряная цепь. Это – цепь, связывающая культуру древней Эллады и Европы. Обширные черные поверхности картины символизируют тайны бытия, составляющие предмет размышлений поэта и философа.

РЕМБРАНДТ ван Рейн "Похищение Ганимеда"

РЕМБРАНДТ ван Рейн "Даная"

Эти античные сюжеты Рембрандт «осовременил» со всей присущей ему смелостью и несравненным мастерством. Опытные критики читают на лице Данаи возвышенное чувство радости общения с Божеством. Художник сумел убедить нас в этом.

РЕМБРАНДТ ван Рейн "Ослепление Самсона"

Здесь господствует дух барокко. Глубокое пространство, бешеное движение человеческих тел, разнообразие ракурсов, злодейство и мучительство, растрата человеческой энергии на бесчеловечные дела.

РЕМБРАНДТ ван Рейн "Возвращение блудного сына"

Что самое поразительное в этой картине? По-моему – босая пятка левой ноги блудного сына, свалившийся с его ноги шлёпанец и затылок, по форме повторяющий голую подошву. Более красноречиво засвидетельствовать глупость и ничтожество этого юноши – невозможно. Милосердие старика-отца не знает границ, его милосердие – это подвиг, уподобляющий отца общему Отцу человечества.

Гениальнее этой картины – последней в жизни Рембрандта – ничего быть не может. В ней назидание людям до скончания веков.

направление

Баро́кко (итал. barocco - «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. pérola barroca (дословно «жемчужина с пороком»); существуют и другие предположения о происхождении этого слова) - характеристика европейской культуры XVII-XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в эпоху Позднего Возрождения, в конце XVI - начале XVII веков в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации». Барокко противостояло классицизму и рационализму.

Одной из первых монографий, посвященных барокко, стала книга Вёльфлина "Ренессанс и барокко" (нем. Renaissance und Barock, 1888). Барокко занимало период между Ренессансом и классицизмом , а в поздней своей версии оно называлось рококо . Характерными чертами барокко Вёльфлин называет живописность и страстность. Дворжак выделил из раннего барокко маньеризм . Впоследствии Панофский обозначил тенденцию видеть в барокко не антитезу, а продолжение Ренессанса.

В XVI веке Италия - первое звено в искусстве эпохи Возрождения - потеряла экономическое и политическое могущество. На территории Италии начинают хозяйничать иностранцы - испанцы и французы, они диктуют условия политики и пр. Истощённая Италия не утратила высоты своих культурных позиций - она остаётся культурным центром Европы. Центром католического мира является Рим, он богат духовными силами.

Мощь в культуре проявилась приспособлением к новым условиям - знать и церковь нуждаются в том, чтобы их силу и состоятельность увидели все, но поскольку денег на постройки палаццо не было, знать обратилась к искусству, чтобы создать иллюзию могущества и богатства. Популярным становится стиль, который может их возвысить. Вот так в конце XVI века на территории Италии возникает барокко.

Происхождение слова барокко вызывает больше споров, чем названия всех остальных стилей. Существует несколько версий происхождения. Португальское barroco - жемчужина неправильной формы, не имеющая оси вращения, такие жемчужины были популярны в XVII веке. В итальянском baroco - ложный силлогизм, азиатская форма логики, приём софистики, основанный на метафоре. Как и жемчужины неправильной формы, силлогизмы барокко, ложность которых скрывалась их метафоричностью.

Использование термина со стороны критиков и историков искусства берет начало со 2-й половины XVIII и относится, в первое время, к фигуративному искусству и, последовательно, также к литературе. Вначале этот термин приобрел негативный смысл. Эрнст Гомбрих писал: «Слово „барокко“, означающее „причудливый“, „нелепый“, „странный“, также возникло позднее как язвительная насмешка, как жупел в борьбе со стилем XVII века. Этот ярлык пустили в ход те, кто считал недопустимыми произвольные комбинации классических форм в архитектуре. Словом „барокко“ они клеймили своевольные отступления от строгих норм классики, что для них было равнозначно безвкусице». И только в конце XIX века произошла переоценка барокко, благодаря европейскому культуральному контексту от импрессионизма к символизму , который выделяет связи с эпохой барокко.

Одна из спорных теорий предполагает происхождение всех этих европейских слов от латинского bis-roca, скрученный камень. Другая теория - от латинского verruca, крутое высокое место, дефект в драгоценном камне.

В разных контекстах слово барокко могло означать «вычурность», «неестественность», «неискренность», «элитность», «деформированность», «преувеличенную эмоциональность». Все эти оттенки слова барокко в большинстве случаев не воспринимались как негативные.

Наконец, ещё одна теория предполагает, что это слово во всех упомянутых языках является пародийным с точки зрения лингвистики, и его словообразование может объясняться его значением: необычностью, неестественностью, неоднозначностью и обманчивостью.

Неоднозначность стиля барокко объясняется его происхождением. Как считают некоторые исследователи, он был заимствован из архитектуры турок-сельджуков.

Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно - тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке). Мировоззренческие основы стиля сложились как результат потрясения, каким для XVI века стали Реформация и учение Коперника. Изменилось утвердившееся в античности представление о мире как о разумном и постоянном единстве, а также ренессансное представление о человеке как о разумнейшем существе. По выражению Паскаля, человек стал осознавать себя «чем-то средним между всем и ничем», «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца».

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Искусство (Baroque art.), стиль европейского искусства и архитектуры 17-18 веков. В разное время в термин "барокко" вкладывалось разное содержание — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам». Поначалу он носил оскорбительный оттенок, подразумевая нелепицу, абсурд (возможно, он восходит к португальскому слову, означающему уродливую жемчужину). В настоящее время он употребителен в искусствоведческих трудах для определения стиля, господствовавшего в европейском искусстве между маньеризмом и рококо , то есть приблизительно с 1600 г. до начала 18 века. От маньеризма Барокко искусство унаследовало динамичность и глубокую эмоциональность, а от Ренессанса - основательность и пышность: черты обоих стилей гармонично слились в одно единое целое.

Барокко. (Библиотека Клементинума, Прага, Чехия).

Самые характерные черты - броская цветистость и динамичность - соответствовали самоуверенности и апломбу вновь обретшей силу римской католической церкви. За пределами Италии стиль Барокко пустил самые глубокие корни в католических странах, а, например, в Британии его влияние было незначительным. У истоков традиции Барокко искусства в живописи стоят два великих итальянских художника - Караваджо и Аннибале Карраччи , создавшие самые значительные работы в последнее десятилетие 16 века - первое десятилетие 17 века.